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Stephane Rey :

Françoise Bernardi :

  Editorial      Retour au sommaire

bonjour, 
une image vaut mille mots... 
Montrez nous des toiles, des dessins..., et pas de la "litérature" : 
s'est chiant à lire sur l'écant . 
Si l'oeuvre est bonne elle se sffit à elle même. 
Amicalement. D... 

Ce texte est la retranscription intégrale d'un e-mail que j'ai reçu il y a une quinzaine de jours : je n'y ajouté que la couleur, et réduit le prénom à son initiale.

Choisissant de publier sur un site, il est bien normal que j'accepte les critiques, fussent-elles comme ici à la fois abruptes et amicales ! Tous les ouvrages de "web-marketing" conseillent vivement d'afficher sur le site les témoignages d'utilisateurs heureux et satisfaits. Ne croyez pas cependant que j'agis ainsi à contre-courant sous l'emprise d'un masochisme primaire.

D'une part, vous m'avez adressé depuis les 7 mois que le site est fonctionnel une telle masse d'encouragements, d'avis positifs, de critiques constructives, que mon enthousiasme ne risque pas de s'effilocher à l'arrivée du premier message dévastateur.

Ensuite, ce visiteur enchaîne admirablement sur le sujet du mois dernier, où je tentais de différencier le beau, l'agréable et le bon, voire le "bon goût". Je terminais l'article en disant que, si l'exercice de sa liberté à trouver "belle" une oeuvre est personnel et incontestable, le seul critère de beauté ne me paraît pas suffire. Le propos est donc : "Une oeuvre se suffit-elle à elle-même ?" Tout commentaire sur l'oeuvre, sur l'art en général est-il superflu, vainement et inutilement surajouté ?

Si je pensais cela, je n'aurais pas construit ce site ! Certes, le jugement de beauté est libre (bien que déterminé malgré tout). Mais une oeuvre d'art n'a pas de beauté intrinsèque ; elle n'acquiert ce caractère que sous le regard. Comme elle n'acquiert de signification que si l'intelligence y contribue.

Nous approchons là tout le problème de l'appréciation et de la compréhension. Elles impliquent un dialogue comprenant au minimum trois participants : l'artiste, l'oeuvre (substrat matériel comme contenu) et le spectateur. C'est dans cet ordre d'idées que j'évite le terme de message qui me paraît trop "à sens unique", trop dirigiste. Ce dialogue va bien au-delà de l'auto-suffisance de l'oeuvre, ou de son essence : il est concrétisation -matérialisation par certains aspects- d'une pensée, d'un sentiment, d'une pulsion, d'un souvenir... que l'artiste propose, l'oeuvre expose et dont le spectateur dispose.

Sans développer cette question de manière exhaustive, il est manifeste que la raison doit donc intervenir dans la vision, et que le dialogue -ou indirectement la lecture d'un commentaire, d'une exégèse- aide à ce que l'échange soit fécond. On ne citera que quelques exemples :

- Cezanne a dit : "La forme est à son apogée quand la couleur est à la plénitude" ; ceci seul permet de comprendre qu'il a peint des pommes dans un autre esprit que l'amour des fruits ;
- A l'instar de Cezanne, ils furent et sont légion les artistes qui réfléchissent et travaillent, en s'en expliquant, sur les rapports entre matière, support, contenu et réalité. L'abstraction est le paradigme-même de cette quête ;
- Les symboles sont nombreux dans toute la peinture : fond d'or qui sacralise, jardin clos du Quadrocento pour la Vierge, animaux de compagnie pour la fidélité, crânes humains qui expriment la "vanité" de l'existence humaine, rivière qui sépare le paradis de la terre (Giorgione) ;
- les tableaux de Brueghel ne sont pas l'unique représentation de fêtes paysannes : elles ont une portée moralisatrice à mille lieues de la vision princeps ;
- les formes d'expression moderne comme le fauvisme ou le cubisme ne peuvent être appréhendées que si l'on comprend le cheminement de l'artiste ;
- les perspectives des Modernes ont été redécouvertes des estampes japonaises ;
- les monochromes de Malevitch ou les couleurs et formes élémentaires de Mondrian sont à considérer comme l'aboutissement d'une réflexion qu'il est impératif de connaître ;
- Symbolisme et Surréalisme, plus encore, n'ont de signification que par le dialogue complexe entre l'oeuvre et le spectateur, et avec les écrits des artistes quand on en dispose. L'oeuvre en soi ne se suffit pas, quoi qu'on puisse en espérer, sauf à dire qu'elle est belle, ou "bonne".

Je revendique de partager avec les artistes au moins deux états d'âme : l'angoisse et le doute. N'en déplaise à mon amical visiteur, la certitude n'a qu'une vertu : le gain de temps. Mais elle fait perdre la majeure partie de la raison d'être de l'art : la communication à travers un dialogue entre deux intelligences et via un langage.  La connaissance de l'art et de son histoire sont dès lors des ingrédients qui agrémentent la vision que nous en avons.

E. Mons delle Roche  

P.S.: Je rappelle aux néophytes de l'Internet qu'il existe au moins deux moyens de lire les textes de manière économique : imprimer la page ou la rendre disponible hors connexion.

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La chronique d'Art&Fact - Historiens d'Art de l'Université de Liège.  Ce mois, Madame Dominique Allard nous présente le Service d'Archéométrie de l'Université de Liège. Ce sujet passionnant brosse de belle manière, et sans compromis, les impératifs d'une recherche scientifique sur les oeuvres d'art.

Fille de Léon Eeckman qui fonda le Groupe Nervia avec L. Buisseret et Anto-Carte, Madame Hemeleers-Eeckman nous offre un article dans lequel elle nous présente un sculpteur et la fondation qui lui est consacrée : Christian Leroy, un artiste qui sait allier tradition et modernité.

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* La prochaine chronique universitaire aura pour thème : Léon Philippet, par David Bronze, en mai.

* Une excellente nouvelle : M. Domanski devrait, s'il a le temps de consulter d'ultimes sources à la bibliothèque de l'Université Marie Sklodowska-Curie de Lublin (Pologne), nous proposer en mai "L'exposition des peintres belges à Varsovie en 1907".

* Nous envisageons d'autres collaborations, dont vous saurez plus dans les prochaines semaines.

E. Mons delle Roche.